¿POR QUÉ COCINAN LOS NIÑOS EN POLENTA?

En 2008, con “¿Por qué el niño cocina en polenta?” Lanzamos una encuesta con el director Nelson Baskerville. Nelson ya contaba con una larga trayectoria de investigación y trabajo dentro del teatro “postdramático” y fue un pilar fundamental para nuestro acercamiento e interés por este lenguaje. Con él, investigamos diferentes formas de contar una historia a través de muchas posibilidades narrativas: video, fotografía, música, danza, performance, el acto de cocinar en el escenario, en definitiva, una investigación que ya trajo a su paso un acercamiento entre artista y público. eso no fuese si estuviera dado sólo por la historia ni por el pensamiento que generó, sino por lacomunicación cinestésicaque el espectáculo provocaba debido a todo el aparato escénico.

OBRA CIRCULANTE / TEATRO

Este trabajo nos abrió muchas puertas. Con él conocimos un lenguaje y una nueva manera de pensar el trabajo del actor y la función del teatro en el panorama contemporáneo. El espectáculo estuvo en cartelera durante 5 temporadas en la ciudad de São Paulo y durante dos años en Brasil, recorriendo varios festivales y ganando 35 premios. Armar y desmontar una misma historia, de escenario en escenario, de ciudad en ciudad, hacer de la misma historia cada hora una historia diferente nos hizo apropiarnos cada vez más de una historia diferente. representaciones de teatro horizontal donde, en ausencia del productor, experimentamos todas las funciones que implica una presentación teatral. Desde conducir el camión con escenario hasta entrar en escena.

LUIS ANTONIO GABRIELA

Nelson nos trajo la historia de su hermana y su familia y todos aceptamos la idea de llevarla al escenario. Profundizamos la investigación en este teatro que se llamó"documental escénico"y nació el espectáculo “Luis Antonio Gabriela”. La historia de Gabriela, Nelson y este contexto familiar, dio un giro y movilizó a distintos tipos de públicos, cada uno a su manera. Contando con una dirección que agudizó la idiosincrasia de cada personaje y, suprimiendo el juicio en el acto de contar esta historia, terminamos llevando al escenario a personas reales, que no son ni buenas ni malas, formando su papel en la vida. Y en esto, el público se identificó con un revuelo que nos sorprendió y nos enseñó algo: al intentar distanciarnos, nos acercamos. Tratando de traer reflexión sobre un tema social, trajimos conmoción a una historia de vida. En términos intencionales, sabíamos que el lenguaje épico promovía la reflexión y posicionaba críticamente al espectador. Y fue hermoso ver a este espectador, más que posicionado políticamente hacia la causa de la diversidad sexual, también posicionado como un ser humano hacia la historia misma. De esta manera empezamos a concebir nuestras obras más de una manera que “proporcionar una experiencia”que presentar realmente un espectáculo. Y esto abrió un nuevo panorama procesal dentro de la empresa. El espectáculo tuvo 7 temporadas en la ciudad de São Paulo, 1 temporada en Río de Janeiro y realizó giras de dos años por Brasil y el extranjero, acumulando más de 400 funciones en este período. “Gabriela” ganó 5 importantes premios teatrales.

MÁS CIRCULACIÓN

(SESC Palco Giratório Premio de Teatro Myriam Muniz Funarte Circuito Cultural São Paulo)

En 2013, la muestra Luis Antonio-Gabriela acumuló 3 posibilidades de circulación conjunta. Viajamos por el interior de Pernambuco, Bahía y Paraíba. Fuimos a Ceará, Rio Grande do Norte, Tocantins, Rondônia, Mato Grosso, Goiás, Brasilia, Mato Grosso do Sul, Minas Gerais, Paraná, São Paulo, Espírito Santo, Rio de Janeiro, Santa Catarina y Rio Grande do Sul. Fue una experiencia increíble que al final nos llevó a otro estado de presencia artística dentro de la concepción de la Compañía, la experiencia fue correr con el espectáculo, impartir talleres, intercambiar con otras compañías y participar en conversaciones y debates. Conocemos muchos grupos con diferentes formas de gestionar y pensar el teatro y el arte. Tuvimos la oportunidad de explorar los más diversos tipos de públicos y los hábitos de los espectadores en cada ciudad. Conocemos los más variados equipamientos culturales. Observamos muchos teatros grandes, con equipos de iluminación increíbles, pero sin lugar para descargar escenografía, por ejemplo. Otros teatros estaban ubicados debajo de la cancha de fútbol, otros eran lugares más sencillos pero bastante funcionales. Prestamos atención no sólo a los equipos físicos, sino a la forma en que cada equipo nos recibía en cada ciudad, así como a la forma en que eran administrados. Esta experiencia técnica y percepción de gestión fue fundamental para que, 4 años después, diseñáramos, construyéramos y gestionamos elTeatro de Contenedores Mungunzá. Aún en esta gran experiencia de circulación, tuvimos la oportunidad de realizar numerosos talleres con grupos de jóvenes y fue fundamental para estructurar el proceso metodológico con el que trabaja la Compañía y diseña sus soluciones escénicas, dramatúrgicas y técnicas, así como todo el proceso creativo. proceso. Realizar estos talleres tuvo mucho sentido para nosotros y comenzamos a estructurar planes para crear un futuro proceso de formación con grupos de jóvenes que estuvieran interesados en esto. tipo de proceso: colaborativo, kinestésico, híbrido y performativo.

POEMA SUSPENDIDO PARA UNA CIUDAD EN CAÍDA Y UNA VEZ UNA ERA

Dar vueltas nos trajo madurez y una mayor comprensión de los procesos colectivos y nos trajo una nueva forma de pensar y hacer arte. Tratamos con mucha gente a lo largo de estos viajes, muchos artistas, muchos procesos, muchos sueños compartidos. Nuestra investigación artística en medio de todo esto creció y pasó a ser parte de una investigación que corre paralela a la muestra, pero centrada en las relaciones que permean el entorno de la muestra.. Empezamos a concebir el proceso en sí como un trabajo final. Entonces comenzaron a aparecer dos nuevos programas: "Poema suspendido para una ciudad en caída" Es "Érase una vez" . Recopilar piezas de la historia de cada artista, no para hacer un nuevo documental escénico, sino un relicario visual, plástico, como si le debiéramos algo a nuestra propia historia como ciudadanos. Relicarios de intersección entre personas, entre situaciones, entre historias, entre tiempos, entre espacios, entre diferentes geografías. No se trata sólo de momentos personales, sino de que esos momentos personales que extraemos de nuestras historias privadas nos ayuden a abrir una brecha hacia lo que es universal. A través del ojo de la cerradura de mi historia puedo leer las historias de miles de personas y todas ellas pueden leerse a sí mismas en la mía. Con este material en la mano decidimos escribir para la 24ª edición del "Programa de Promoción del Teatro Municipal de la ciudad de São Paulo". Y fuimos honrados.

NOSSO PRIMEIRO FOMENTO

"Poema suspenso..." e "Era uma Era" foram 15 meses de processo. Em 15 meses levantamos 2 espetáculos partindo do zero. Iniciamos os ensaios na ocupação cultural Casa Amarela, continuamos o processo na Casa das Caldeiras, alugamos um Galpão para intensificar os ensaios, compramos 20 metros de andaime, tivemos que cursar e aprender sobre NR35 (Norma Regulamentadora nº 35 - Trabalho em altura) para continuarmos os trabalhos, levamos o processo a cinco CEUs (Centros Educacionais Unificados) através de oficinas para crianças, jovens, adultos e pessoas da terceira idade, retornamos ao Galpão munidos da experiência nos CEUs, finalizamos as duas dramaturgias, e estreamos os dois espetáculos circulando pelos 5 CEUs que acolheram nossas oficinas. Fizemos 30 apresentações em 29 dias, retornamos novamente ao Galpão, fizemos 10 ensaios abertos, uma temporada do espetáculo adulto (Poema suspenso…) no SESC Santo Amaro e reestreamos depois os dois espetáculos juntos no Teatro Popular João Caetano, numa temporada gratuita com 4 apresentações acessíveis à deficientes visuais e auditivos, que – diga-se de passagem – foi uma experiência incrível para nós e nos inspirou uma nova forma de trabalhar num próximo projeto. Vendo assim, parece muita coisa e realmente foi. Mas tudo veio num tempo em que foi possível ir amadurecendo certos conceitos e, principalmente, a nossa forma de lidar com a estrutura de organização da própria Companhia. A começar pela “loucura” de erguer dois espetáculos, praticamente do zero, ao mesmo tempo. E, um deles (Era um Era), para uma faixa etária que nunca havíamos trabalhado. Em menos de um ano de suas estreias, os espetáculos já realizaram, juntos, aproximadamente 200 apresentações, circulando por diversas cidades do Estado de São Paulo e realizando 4 temporadas, sendo três na capital paulista e uma em Santo André/SP. Depois de toda essa "ode ao movimento”, os espetáculos “Poema suspenso para uma cidade em queda” e “Era uma Era” nos trouxeram a necessidade de um andaime. E o andaime nos trouxe a necessidade de um espaço próprio para guardá-lo. O Galpão Mungunzá.

ALMACÉN MUNGUNZÁ

Galpão llegó a nuestras vidas en un momento en que buscábamos un espacio para ensayar los dos espectáculos contemplados en nuestra primera Ley de Fomento (24ª edición). Necesitábamos un espacio donde poder distribuir nuestras cosas e instalarnos con toda la parafernalia característica de la empresa. Por ello, alquilamos una nave en Bom Retiro, ubicada junto al "Complexo Prates", un lugar que reúne acciones de Salud Pública y Asistencia Social en el tratamiento y recuperación de drogadictos en situación de calle y socialmente vulnerables en la región central del ciudad. Durante el proceso de ensayo, el entorno se nos presentó en forma de las personas que allí tocaban. Empezando por los niños que vivían en la misma calle y que acudían todos los martes por la noche a ver los ensayos del espectáculo infantil (Era uma Era). Terminaron apropiándose de este espacio de tal manera que se sentían -era visible- en una especie de segundo hogar. Empezamos a pensar en una forma de continuar trabajando allí, incluso cuando termináramos los ensayos. Decidimos renovar el contrato de arrendamiento por un año más y comenzamos a mantener el espacio con un enfoque de investigación artística también en el campo de la producción cultural y el arte relacional. Establecemos una extensión del “espacio cultural” fuera de su espacio físico. El objetivo del espacio pasó a ser, no una sede de una Compañía, sino ampliar la noción de arte, de movimiento cultural, de apropiación del espacio, de identificación con el espacio. De tal manera que esta apropiación abarcaría no sólo a los artistas interesados en mover culturalmente el espacio, sino a todos los vecinos: la calle, el barrio, los albergues y las instituciones. Entonces nos dimos cuenta de que, de hecho, no teníamos exactamente una sede para crear espectáculos, y ni siquiera queríamos eso. Queríamos permanecer en el espacio como una obra de arte, como una actividad artística ampliada. Una obra de arte abierta. Y esa fue la primera idea de nuestra investigación sobre terrenos públicos inactivos que culminaría enTeatro de Contenedores Mungunzá.

EL TEATRO DE CONTENEDORES DE MUNGUNZÁ

El Teatro Contenedor surgió en un momento en el que nos dimos cuenta de cuánto suelo público baldío hay en la ciudad, mientras muchas compañías de teatro pagan un monto que no tienen en el alquiler de espacios para realizar sus actividades lo que, la mayoría de las veces, tiene efectos sociales. homólogos. Ocupar terrenos públicos con "equipamiento" privado tiene una dialéctica en sí misma. El espacio es de y para todos, pero hay un grupo gestionando esta programación y pensando en las necesidades de un territorio/comunidad. Pensamos que tendríamos una sede y nos dimos cuenta de que creamos un centro cultural. Simplemente porque el territorio exige más. Pide mediación de relaciones, conflictos, pide programación libre, gratuita, con acceso democratizado. El territorio en el que estamos ubicados (Rua dos Gusmões, 43, Santa Ifigênia - São Paulo/SP), cercano a la zona de consumo y venta de drogas llamada Cracolândia, exige un respiro y un nuevo significado de las relaciones. Exige un cambio de paradigmas. Desde entonces, nuestro trabajo teatral ha dado paso al trabajo artístico/relacional/afectivo. Allí comenzó el proceso como obra. Las relaciones como obra abierta. En este territorio nada puede cerrarse, protegerse, separarse. Los espectáculos quedarán invadidos por el sonido y la escenografía de las calles (las paredes del teatro son de cristal). Los ensayos serán interrumpidos por peleas en la acera o por niños jugando a la pelota en la cancha. Ocupar este espacio, en estas condiciones, sin duda terminó culminando en el tema de un nuevo espectáculo:Epidemia de plata.

EPIDEMIA DE PLATA

Inmersos en el universo del Teatro Container, afectado por todas las reverberaciones de Cracolândia, era imposible no contaminarse por las historias que escuchamos y presenciamos de vecinos, comerciantes, personas sin hogar y drogadictos de los alrededores. Estar allí, dentro de un “acuario artístico”, fusionado con una región desatendida por las autoridades públicas y al mismo tiempo, en el punto de mira de la especulación inmobiliaria, fue decisivo para muchas opciones artísticas, políticas, éticas y estéticas. este material con el que entramos al local de ensayo para sacar a relucir el quinto espectáculo de Cia Mungunzá: "Epidemia de plata" , muestra que puede considerarse una especie de etnografía escénica de la vulnerabilidad de la región central de São Paulo. La obra se estrenó el 23 de mayo de 2018 y tuvo tres temporadas en el corazón de la ciudad: una en el SESC 24 de Maio y dos en el Teatro de Container. A principios de 2021, antes de la llegada del coronavirus a Brasil, el espectáculo inauguró el Festival Internacional de Teatro de Kerala, en India.